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이성자의 ‘추상양식’ 판화연구 = 'Abstract form' printmaking research of the Seundja Rhee
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2019
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이 논문은 ‘추상양식’으로 본 이성자(李聖子, Seundja Rhee, 1918-2009년) 판화세계의 특징과 의미를 고찰한다. 다수의 회화 작품이 있지만, 이 논문에서는 판화작품 위주로 크게는 1957-2008년 까지를 전기 판화와 후기 판화로 나누어 살펴보고 시대별 주요작품을 선별하여 특징적인 작품을 재해석해 보고자 한다. 전기 판화와 후기 판화구분은 1981년 자크 마솔 화랑에서 개최된 ‘극지로 가는 길’ 전시를 기점으로 나누었다.
1950년대부터 1980년대 초까지는 나무라는 매체와 적응하는 시기였고 주제도 가족에 대한 그리움이 저변에 깔려 있었기 때문에 전기 판화로 구분하고 ‘대지 시대’, ‘나무의 자유 시대’, ‘도시 시대’, ‘투명한 대기 시대’로 세부적으로 나누었다.
1982년-2008년 까지는 후기 판화로 구분하였고 공간을 최대로 확대한 추상작품을 했던 시기로 나무의 변신 시대, 롤러의 출현 시대, 목판화와 시(詩) 시대로 세부적으로 나누었다. 초기 작품 〈풀을 위한 구성〉 [그림 1]은 주로 자유롭고 조각도의 거친 터치와 두꺼운 잉크의 밀도가 있는 것으로 스탠리 윌리엄 헤이터(Stanley William Hayter, 1901-1988)의 추상적 판화를 접하면서 한판다색법 헤이터기법의 영향을 받은 것으로 보인다. 이성자는 회화와 판화를 동일시하여 상호보완적인 작품을 제작하였기 때문에 매체나 기법에서 서로 간에 연결성을 보이는 작업형태를 보이고 있으며 유화나 수채화의 정신적인 부분, 판화의 육체적인 노력 부분이 합쳐진 것이라고 할 수 있다.
회화 ‘극지로 가는 길’, ‘우주’ 시리즈 작품 후에도 〈어린 날의 과수원〉, 〈시선〉등의 판화작품에서는 긴 시간 동안 작품을 한 작가의 심리적, 시대적인 흐름의 변화를 살펴볼 수 있다. 또한 1965년 서울대학교 교수회관 전시로 인해 재료나 기법이 다채롭고 풍부해졌으며 한국에 있는 가족과 재회한 것도 작품제작에 강한 영향을 미쳤다고 할 수 있다. 1975년 상파울루 비엔날레전시는 새로운 작품으로 변화하는 시도였고 그 후 지구를 두 개로 자른 원, 음과 양으로 정의하고 작품의 주제로 하였다. 1981년 이후부터 2008년 작고할 때까지 후기 작품에서는 판화의 재료와 기법에서 독창성이 확연하게 드러난다.
그는 프랑스에서 활동하였기 때문에 국내에는 잘 알려지지 않았고 많은 조명을 받지는 못했으나 이성자의 작품이 갖는 한국 현대 판화사적 의미는 당시 유학이 흔하지 않던 시기에 프랑스에 거주하면서도 한국적인 소재를 작품에 적응함으로써 고국에 대한 그리움을 표현하였을 뿐만 아니라 동양과 서양의 요소를 융합하여 동서양의 교류를 가져왔다는 점에서 의의가 깊다. ‘음과 양’을 주제로 한 작품은 현대에 와서 재료와 기법 부분에서도 다양성과 독자성이 인정되어 작품의 개념과 심리적인 부분까지도 한국의 미술사적 의미로 부각되고 있다. 많은 수의 ‘추상양식’ 판화작품은 2018년 열린 『이성자: 지구 반대편으로 가는 길』 국립현대미술관 전시를 계기로 다시 조명되고 있다. 따라서 이 논문에서는 이성자의 ‘추상양식’ 판화작품의 시대적 변천사와 조형적, 기법적 특징에 따른 의미를 재해석해 볼 수 있을 것이다.
This paper examines the characteristics and the meanings of the SeungJa Rhee’s(李聖子, 1918-2009) printmaking world that are seen in the art of the abstract form. Although there are many painting works of her, this paper divides the printmaking works into the former part printmaking and the latter part printmaking for 1957-2008 mainly and reinterprets the distinctive works by selecting the major works of the era. The former part printmaking and the latter part printmaking is divided by the exhibition which had the theme of the "Road to the Antipodes" at the Jacques Massol Gallery in 1981.
Her works from the 1950s to the early 1980s is marked as the former part printmaking, since it was a time to adapt to the medium of wood and the theme was based on longing for her family, and is subdivided into the era of the earth, freedom of the trees, the city, and the transparent atmosphere.
Her works from 1982 to 2008 is marked as the latter part printmaking. It was when she did the abstract works extending the maximum of the space, they are subdivided into the era of the tree transformation, the epiphany of Rollers, and woodcut prints and poetry.
The early work 〈Composition Grass〉 [Fig. 1], which was mainly free-spirited and had the rough touch of sculpture and thick ink density, seems to have been affected by Hayter’s multicolor printing technique (stenochromy), as she contacted the abstract printmaking of the Stanley William Hayter (1901-1988). Seunda Rhee produced complementary works by equating paintings and printmaking, so her works shows the connection of each other in the medium or technique and it can be said that the spiritual part of oil paintings or watercolors and the physical labor part of printmaking are combined in her works.
After the works of ‘Road to the Antipodes’ and ‘Cosmos’ series, the printmaking works of ‘Orchards of Childhood’, ‘Line of Sight’, etc, shows her psychological and temporal change of the artist who produced the works for a long time. Also the exhibition of the Seoul National University Faculty Club in 1965 influenced materials and techniques to be enriched, and the reunion of families in Korea had a strong influence on her works. She made an attempt to change her theme to new one at the exhibition of the 1975 São Paulo Biennale, so she defined Earth as a two-cut circle, ‘Yin and Yang’ and made it the subject of the work. In her latter part printmaking from 1981 to 2008, by the time she died, her originality is expressed clearly in the materials and techniques of the printmaking. As she was active in France, she was not well-known in the her home country, South Korea and so did not receive much focus, but the meaning of Seundja Rhee’s works from the perspective of Korean contemporary printmaking is not only she applied the Korean material to the works while living in France, when the studying abroad was not common, to express her longing for the home country, but also her works combined the elements of East and West and brought the exchanges between Eastern and Western. Yin and Yang-themed works was recognized for their own and their diversity in the materials and techniques these days, and even the concept of the works and their psychological part has been emerged as the historical meaning of the Korean fine arts. A large number of ‘Abstract form’ printmakings are being re-illuminated by the exhibition of The National Museum of Modern and Contemporary Art, 『RHEE Seundja : ROAD TO THE ANTIPODES』in 2018. Therefore, this paper reinterprets the periodic changes and the meaning of the formative and technical features about Seundja Rhee’s ‘Abstract form’ printmakings.
분석정보
연월일 | 이력구분 | 이력상세 | 등재구분 |
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2026 | 평가예정 | 재인증평가 신청대상 (재인증) | |
2020-01-01 | 평가 | 등재학술지 유지 (재인증) | KCI등재 |
2017-01-26 | 학회명변경 | 한글명 : 예술과 미디어학회 -> 예술과미디어학회 | KCI등재 |
2017-01-01 | 평가 | 등재학술지 선정 (계속평가) | KCI등재 |
2016-10-28 | 학회명변경 | 한글명 : 한국영상미디어협회 -> 예술과 미디어학회영문명 : Council for Advanced Media & Moving pictures -> The Korean Society of Art and Media | KCI후보 |
2016-01-01 | 평가 | 등재후보학술지 유지 (계속평가) | KCI후보 |
2015-01-01 | 평가 | 등재후보학술지 유지 (계속평가) | KCI후보 |
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2016 | 0.25 | 0.25 | 0.26 |
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0.23 | 0.23 | 0.531 | 0.04 |
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