그리스신화를 모티브로 한 한국창작무용 의상디자인 연구 = (A) Study on the Design of Korean Creative Dance Costume with Greek Mythology as a Motif

국문 초록 (Abstract)

오늘날 신화에 대한 관심이 그 어느 때보다도 직접적이고 적극적으로 표명되고 있다. 신화에는 지역과 시간을 넘어서는 인류 공통의 꿈과 표현방식이 있다는 발견은 현대 인터넷시대에 정치, 경제, 문화, 학술 등의 다양한 분야에서 신화를 만국공통의 기호로 채택케 하기 때문이다.
고대 상상력의 산물인 신화들은 신선한 독창적 작품에 끊임없이 이용되어왔다. 서구의 문학과 예술은 예로부터 그리스로마신화에서 수많은 예증과 상징, 영감을 빌어왔고 현대사상이 즐겨 응용하는 신화는 종교, 민속학, 인류학, 사회학, 정신분석학과 미술 등이 공유하는 중요한 영역이며 신화에 대한 지식은 운명을 형성해온 사상에 자연스러운 호기심을 만족시켜준다. 즉 여러 학문의 토대를 이루는 신화가 이들 학문의 사상을 한층 더 깊게 해주는데 이는 신화가 현대의 과학주의가 억압하고 있는 상상력을 해방시켜주기 때문이다. 고대 그리스 교육에서는 음악과 마찬가지로 중대한 역할을 담당했던 무용이 신화를 구체적으로 형상화하는 또 다른 예술양식이었다.
문화개방의 시대를 맞이하여 문화에 대한 사람들의 기대도 점점 높아지고 있다. 또한 전문화 시대에 접어들면서 각 분야는 전문성의 필요성을 인지하고 있으며 그중 무대공연 예술분야는 종합예술로서 무대 구성을 이루는 요소들의 영역이 더욱 세분화되고 있다.
무대예술에 있어서 예술무용의 형태가 더 정밀화(精密化), 인공화(人工化)됨에 따라 무용, 음악, 시각예술은 각각 독립적 기능을 유지하면서 세련되고 치밀하며 자연스런 조화를 이루어야 한다.
종합예술인 무용공연에서 의상은 무용수와 가장 밀착되어 있고, 주제 표현의 수단과 무언의 언어로서 중요한 역할을 한다. 역사 속에서 무용은 사회적, 지리적, 문화적 여건에 따라 변모되었고 무용의상도 이와 더불어 변화되어 왔다. 특히 전통성과 현대성이 결합된 독특한 장르를 칭하는 한국창작무용은 춤뿐 만 아니라 의상에서도 전형적인 한국무용의 틀을 깨고 있다.
이에 본 연구는 한국창작무용공연 작품 「♂+♀=…」의 내용을 기초로, 작품 속의 그리스 신화의 인물들의 의상을 현대적 의미로 재해석하여 작품의 내용에 맞게 의상을 디자인하고 제작함으로써 디자인 개발과 제작에 있어서 전통적 한국무용의상에서 벗어나 새로운 표현방법을 모색하고 나아가 무용의상의 발전적 방향과 가능성을 제시하는 데 그 목적을 두었다.
연구방법으로 문헌고찰은 관련서적 및 학위논문 등을 수집 분석하였고, 무용의상 특성의 이해를 위한 실증적 시각자료는 국내외 관련 서적과 인터넷 싸이트 등을 표집하여 분석하였다.
이론의 전개과정으로 무용의상의 고찰을 통해서 무용의상의 개념을 알아보고 무용의상의 조형미와 역할에 대하여 살펴보았으며, 디자인 요소가 무용의상에 미치는 효과 및 요소상호간의 관계를 알아보았다. 또한 한국창작무용의 역사와 특성을 살펴보고 그 표현적 특성을 고찰하였다. 이러한 이론적 고찰을 근거로 그리스 신화를 현대적으로 해석하여 무용의상의 예술적인 표현영역을 확대하기 위해 현대인의 감성에 맞는 기능적이고 독창적인 무용의상을 개발하였다.
이러한 연구과정을 기초로 한국창작무용의상에 대한 새로운 해석을 시도하였고 각각의 안무와 작품의 이미지에 적합하며 현대감각에 중점을 둔 총 5점의 작품을 제작하였다.
본 연구의 결과는 다음과 같다.
첫째, 무용의상은 무용수의 동작의 특성과 무용수의 신체를 고려하여 디자인된 의상에 의해 무용 율동에 의한 움직임의 확대와 변화는 더욱 증대될 수 있다. 즉 무용의상의 디자인 전개방법에 따른 무용의상의 실루엣의 변화로 또 다른 무용의 조형미를 보여줄 수 있었다.
둘째, 전형적인 무용의상의 소재에서 벗어나 다양한 현대적 소재의 개발과 사용으로 풍부한 작품의 이미지를 표현할 수 있었다.
셋째, 무용의상의 색채에 있어서 인물의 성격과 잘 부합되는 색상으로 무대와 관객의 정서적 합일을 촉진시키는데 일조 할 수 있었다. 따라서 무용의상의 색채는 다양한 이미지를 전달 할 수 있는 중요한 요소임을 알 수 있었다.
넷째, 무대의상에 있어서 조명의 효과로 인한 색상과 질감의 변화를 확인하였으며 광택이 있는 소재의 사용은 조명의 효과를 극대화 할 수 있음을 알 수 있었다.
다섯째, 무용의상 디자인에 있어 현대패션에 표현된 여러 가지 요소들의 사용은, 현대예술의 실험적 요구에 부응하여 표현영역을 확대하는데 크게 기여함을 알 수 있었다.
위에서 살펴본 바와 같이 무용의상의 디자인은 무대예술로서의 무용자체에 대한 이해와 그에 따른 많은 요구조건과 함께 무용수의 신체와의 연관관계를 고려하여야 하며 다양한 전문적 지식을 필요로 하는 부분이라 볼 수 있다. 이러한 이론적 지식을 바탕으로 무용의상이 제작될 때 더욱 효과적으로 작품의 주제를 관객에게 전달 할 수 있고 상징적 이미지 표출을 다양화할 수 있을 것이다.
본 연구는 창작무용공연을 위한 의상디자인에서 종래와 다른 새로운 표현 및 전달 방법을 모색함으로써 무용의상이 작품의 내면세계까지도 표출하여 관객과 일체감을 이루는 중요한 부분임을 인식시킬 수 있었다. 또한 효과적인 무용의상디자인을 위하여 의상에 대한 전문적 지식뿐 아니라 안무 및 무대 미술 등 다양한 경험과 이해를 바탕으로 한 전문적인 무용의상디자이너의 양성이 필요함을 밝혔다.
무용의상전문디자이너와 안무가의 긴밀한 공동작업을 통해 의상과 무용이라는 두 개의 예술장르가 교류된다면 더욱 다양한 기법과 창의적인 아이디어로 발전할 것을 기대한다.

다국어 초록 (Multilingual Abstract)

Nowadays, the interest shown in mythology is more direct and aggressive than ever before. The reason for such interest is the discovery of mythology's power to express the dreams of all mankind beyond time and space. This discovery has led people working in politics, the economy, culture in general, and academia to choose mythology as an international system of symbols for the Internet era.
Although mythology can be said to be the brainchild of ancient imagination, it still continues to be used in fresh, creative works of art. The arts of the western world have borrowed many examples, symbols, and inspiration from Greco-Roman mythology. Also, the mythology that many modem schools of thought apply often is something religion, folklore, anthropology, sociology, psychoanalysis, and art all share in common. Consequently, the knowledge of mythology satisfies the natural curiosity which is the ideology that gave form to civilization. That is to say, mythology is the very backbone of various studies which enriches the ideologies given by them. This is because mythology liberates the imagination oppressed by modern scientific thought. The educational system of the ancient Greeks put emphasis on music and dance, both important ways of giving flesh and blood to myth through art.
As the opening of cultural barriers lays at hand, the anticipation of the public grows. Each and every field now acknowledges the need of professionalism, especially the stage and the theatrical arts, due to their characteristics as composite art.
Dance as an art form is growing more detailed and artificial as time goes by, and attains an extremely sophisticated harmony and/or discord with music and the visual arts. That is why dance must keep in close company with lighting, costume, sound, makeup, and other such activities that are related to it.
The costume is important in the way it is closest to the dancer on the stage, and that it expresses itself in a way that written or spoken word cannot. Dance has changed according to era, region, and its respective culture, and costume has changed alongside with it. Today, creative Korean dance has broken through the mold of typical Korean traditional dance in both dance itself and the costumes it employs, as an amalgam of traditionalism and modernism.
The purpose of this study is to find new ways of expression which overcome traditional korean dance costume, and to present the direction of development and possibilities that dance costume possesses. This is done by giving the costumes the mythological figures of the Korean creative dance performance P a + -~ =... d a new analysis in the modern sense, and by designing and producing such costumes accordingly.
The methods of research which are applied are as follows; by collective analysis of related books and theses, and searching for visual material to help the characteristics of dance costume in various books and on the Internet.
To thoroughly analyze this study and to expand upon the various theories it embodies through deliberate consideration of dance costume, the concept of dance costume itself is studied alongside the aesthetics and role of dance costume. Also, the history and quality of Korean creative dance is observed, while the expressional characteristics of Korean creative dance are inquired into accordingly. With such theoretical observation as a foundation, Greek mythology can be analyzed in the modern sense to expand the expressive territory of dance costume, thus developing functional creative dance costume that appeals to modem man's aesthetics.
Based upon the research processes written above, the 5 works produced within this study are attempts to give new analysis to traditional Korean dance costume, with the image of the works being suitable to each and every piece of dance choreography.
The results of this study are as following;
First, dance costume considers the movement and body of the dancer, thus maximizing the change and enlargement of the rhythmic movements. In this way, the beauty of shape can be shown through the changes of the dance costume's silhouette.
Second, abundant images were able to be expressed by the development and use of diverse materials produced by advanced technology, thus overcoming the typical materials dance costume has used so far.
Third, by correspondence between the color of the dance costume and the personality of the character who is wearing it, emotional unity between stage and audience can be created. It can be said that the color of dance costume is an important component in communicating diverse images.
Fourth, the effect of stage lighting upon change in color and texture of dance costume was noteworthy, and the deployment of glossy materials maximized the effect of stage lighting.
Fifth, the application of the various components of modern fashion in regard to dance costume is important, in that satisfies the experimental demands of modern art.
As can be seen above, the distinction between costume for the sake of dance and dance for the sake of costume has been abolished. This is because modem dance costume puts more emphasis on the power of manifestation that costume innately possesses, making it a means of visual expression like painting.
Consequently, the styles of costume and performance practically coincide, thus making the expression of costume the very symbol of the performance's style and results. One must keep in mind that the understanding of dance as a performance art on the stage and its essential conditions in relation to the dancer's body, and professional knowledge in various fields are all prerequisites. Only when dance costume is produced with such theoretical knowledge in mind can it effectively communicate the theme of the performance to the audience, and vary the manifestation of symbolic images.
This study aims to acknowledge dance costume's role of showing the inner world of the performance, by searching for new ways of expression and communication. Also, the need for the training of professional dance costume designers with experience in not only fashion design but also choreography and stage art has become self-evident by this study.
It is anticipated that through the cooperation between costume designers and choreographers many new techniques and creative ideas can be developed in the near future.

목차 (Table of Contents)

• 목차
• 국문초록 = I
• I. 서론 = 1
• 1. 연구의 목적 및 의의 = 1
• 2. 연구의 방법 및 범위 = 5
• II. 무용의상의 고찰 = 6
• 1. 무용의상의 개념 = 6
• 2. 무용의상의 조형미와 역할 = 12
• 3. 무용의상의 디자인 요소 = 46
• III. 한국창작무요의 역사와 특성 = 59
• 1. 한국창작무용의 개념과 역사 = 59
• 2. 한국창작무용 의상의 표현성 = 62
• IV. 그리스 신화를 모티브로 한 무용의상 = 79
• 1. 그리스 신화의 현대적 해석 = 79
• 2. 한국창작무용 작품 「♂+♀ = …」의 분석
• 3. 등장인물의 성격유형분석 = 85
• V. 디자인 개발 = 87
• 1. 디자인의 배경 및 방법 = 87
• 2. 작품제작 및 해설 = 90
• 3. 「♂+♀ = …」의 공연사진
• VI. 결론 및 제언 = 118
• 참고문헌 = 121
• Abstract = 127